CARACTERISTICAS DEL PERIODO CLASICO

CLASICISMO

Haydn, Mozart y Beethoven son sus mayores representantes

Su cualidad fundamental es el equilibrio, que distingue a todo arte clásico, entre armonía y melodía, entre forma y expresión; el ajuste perfecto de todos los elementos, físicos y espirituales, que integran el edificio sonoro

Los artistas neoclásicos fueron los primeros que intentaron reemplazar la sensualidad y la trivialidad del rococó (período anterior) por un estilo lógico, de tono solemne y austero

El desarrollo de las condiciones técnicas ampliaron enormemente el lenguaje de la creación musical

La notación llegó a un estado definitivo

Las claves se unificaron en dos principales a las que se añaden, en algunos casos la clave de do en tercera y en cuarta línea

En el sistema tonal se deslindan los dos (mayor y menor)

Se estableces dos principios fundamentales: la polifonía y la homofonía

Los instrumentos adquieren la contextura que actualmente poseen

Los instrumentos se agrupan en familias: cuerdas, vientos, percusión y teclado

La orquesta se muestra compuesta de manera similar a la de hoy

Hay un auge del teatro lírico, tanto de la ópera seria como la cómica

Se da un cambio radical en el papel de los instrumentos de teclado, a medida que iba desapareciendo de forma gradual la función del bajo continuo.

Se establece la forma sonata integrada por tres movimientos o tiempos; uno, movido y muy desarrollado; otro, lento; y el último, rápido, a los que se les intercala casi siempre un cuarto movimiento en aire de danza o "scherzo".

Se suceden cambios en las grandes formas y, así, desaparecen la suite coral, el preludio, el concerto grosso, la fantasía, la antigua cantata, la tocatta y la fuga

Aparecen la sonata y la sinfonía y se mantienen la variación y el oratorio.

Ahora el estilo es homófono o vertical (no contrapuntístico), la melodía es clara y sencilla y los ritmos no buscan el contraste sino que son regulares y unitarios

Claro predominio de la música instrumental frente a la vocal.

En las artes, el Clasicismo significa sencillez, proporción y armonía, es decir, características opuestas al Barroco

La cultura y el arte están dominados económica y socialmente por una aristocracia que considera a éstos un adorno indispensable de su condición

La aparición de la burguesía conlleva la creación y aumento de los conciertos públicos, con lo cual los músicos poco a poco van independizándose, aunque siguen ligados al servicio de la nobleza.

EL CLASICISMO

Características musicales del clasicismo:

En general, la música clásica es objetiva, contenida en las emociones, cortesana, refinada, elegante; algo superficial, pero no pobre.
Formas. Perfección de las grandes formas y su estabilización. Estructura formal clara y transparente.
Las formas instrumentales que desaparecen gradualmente son: suite, coral orgánico, preludio, concerto grosso, fantasía, antigua cantata, toccata; la fuga solo se practica esporádicamente.
Formas que sobreviven: variación...., escasean los oratorios...
Formas nuevas:
Nace la moderna forma de sonata, procedente de la suite antigua, aplicada al trío, cuarteto, sinfonía y sonata para un solo instrumento.
Incorpora la antigua obertura introducida de la opera a la música sinfónica instrumental, dando origen así a la sinfonía moderna que culmina la escuela vienesa.
El antiguo “concerto grosso” da paso a al concierto de un instrumento solista acompañado de orquesta (violín, piano...) en la forma de sonata de tres movimientos.
Melodía. Claridad y simplicidad melódicas. Frases melódicas nítidas y más cortas regulares y cuadradas que en la época procedente (es corriente la frase de ocho compases), las cuales se abren y cierran con ciertos reposos.
Incorpora en parte los característicos adornos del barroco. Su contorno melódico deriva del acompañamiento armónico vertical.
Estilo homofonico o vertical. El conjunto aparece como acompañamiento armónico de una melodía o tema, al que las restantes voces están subordinadas.
Desaparece el antiguo bajo continuo.
Abandono de las formas contrapuntísticas que utiliza solo esporádicamente, especialmente en los desarrollos temáticos.
Armonía transparente, no cromatizante; menos compleja que la de Bach; a base de acordes sencillos. Los cambios armónicos relacionan gradualmente temas y secciones en las formas mas variadas (=modulaciones). Las disonancias resuelven satisfactoriamente sin dejar sensación de aspereza.
Sentido tonal muy transparente, sin marcados cromatismos en sus melodías ni en sus armonías.
Instrumentación y orquestación. La música instrumental es más importante que la vocal.
Sientan las bases de la moderna orquestación.
Atención al colorido y sonoridad de cada uno de los instrumentos y a su individualidad dentro de la orquesta.
La extensión de los instrumentos es aun reducida (generalmente evitan registros extremos).
Los instrumentos que aun no son usuales en al orquesta clásica son: trombones, tuba, flautines, corno inglés, clarinete bajo, contrafagot, arpa, celesta, platillos , xilofón...

Empieza a desarrollarse el piano, que nació a principios del siglo XVIII.
Dinámica (matices y signos expresivos). Atención especial a los contrastes expresivos (nunca bruscos a base de fuerte y piano y al uso del crescendo y disminuendo, en vez de tratar de obtener ingeniosamente (como sucedió en el Barroco) efectos expresivos, contrastando grupos de muchos y pocos instrumentos (por ejemplo, la contraposición del tutti o de toda la orquesta al concertino o pequeño grupo del concerto grosso).
Esta música no tiene aun los arrebatos ni apasionamientos del romanticismo, sino que es mesurada, tranquila, sin buscos crescendos o disminuendos.
El ritmo es sencillo y reglar(cuadratura rítmica), con silencios intercalados como descansos contrastes entre temas y melodías; por regla general, guarda un movimiento regular a través de una sección. En el acompañamiento del bajo es frecuente el diseño a base de acordes de tres sonidos en forma sucesiva, que se repiten como muestra rítmica (llamado “bajo de Alberti”, por atribuirse a éste su introducción).
En ópera triunfa la reforma de Gluck.
La opera cómica y bufa rivaliza con la opera seria.
En general la opera, la misa y la cantata continúan su desarrollo, amoldados al nuevo estilo.
La música religiosa adquiere menos desarrollo o predominio. Esta dominada generalmente por el espíritu operístico e instrumental; por lo que parece mas bien hecha para el concierto que para el culto.
La música de cámara comprende todas las obras escritas para un reducid número de instrumentos, que llevan generosamente la forma de la sonata: trío, cuarteto, quinteto, serenata, divertimento, casación...
En música pura (especialmente la instrumental): No describe, no imita o significa nada, sino que crea sensaciones.
Las obras se clasifican no por nombres sino por números agregados a la palabra latina “opus”, que significa “obra” (op. En abreviatura). Muchos de los nombres que actualmente llevan han sido puestos por sus coetáneos o por la posteridad. Así, los nombres de “Heroica” a la 3ª sinfonía, sonata “Claro de luna” y “Aurora”, de Beethoven, y los de sinfonía “Sorpresa”y “Londres”, de Haydn.
Los conciertos públicos de orquesta se implantan en la mayoría de las naciones.
Se produce ya una gran consumición musical y expansión de la música editada.

El genio masónico de Mozart

La vida de W. A. Mozart está plagada de misteriosas sombras. Su pertenencia a la masonería, el carácter esotérico de algunas de sus composiciones, su posible asesinato y la desaparición de su tumba, son algunos de los enigmas que rodean la figura del genial compositor.
Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart nació en Salzburgo, Austria, el 27 de enero de 1756. Quien haya visto Amadeus, la magnífica película de Milos Forman, tendrá una idea de la peculiar manera de ser del músico y de las serias dificultades para encajar en las estructuradas normas de la sociedad. Algunos investigadores que se han ocupado de estudiar su compleja personalidad le han definido como “maníaco depresiva con rasgos paranoides”. Genio y locura andan próximos, y Mozart fue indudablemente genial, con una vida cargada de luces y, también, de muchas y enigmáticas sombras.
Su pertenencia a la masonería está muy bien documentada. El 14 de diciembre de 1784, a los 28 años de edad, se inició como aprendiz en una pequeña logia vienesa llamada La Beneficencia. Para ese ritual iniciático compuso expresamente su cantata A ti, alma del Universo. Su carrera masónica fue vertiginosa. A las pocas semanas, el 7 de enero de 1785, ascendió al grado de Compañero, y lo hizo en la logia más importante de Viena, La Verdadera Concordia. El 22 de abril de ese mismo año, era ya Maestro en la logia La Esperanza Coronada, para la cual escribió dos de sus composiciones masónicas más conocidas: La alegría masónica y Música fúnebre masónica.
Su fama y sus increíbles capacidades musicales hicieron posible que el papa Clemente XIV le nombrara Caballero de la Espuela de Oro con tan sólo 14 años. A esa edad, la Academia Filarmónica de Bolonia, saltándose las normas que establecían en 20 años el mínimo para ser nombrado académico, lo admitía en su seno con la categoría de compositor.
La relación de Mozart con la masonería se inicia, en realidad, mucho antes de su ingreso formal en la logia Beneficencia. De hecho, su familia, desde el siglo XVII, estaba vinculada a la antigua masonería operativa, es decir, al hermético gremio de los constructores. En la Edad Media, los sabios albañiles que pusieron en pie las catedrales organizaron su actividad en un gremio cerrado, cuidadosamente jerarquizado según la especialización de sus miembros. Los albañiles eran llamados entonces masons, y dado que trabajaban la cantería con una piedra conocida como “piedra franca”, se los denominó francmasones. En las obras compartían una misma vivienda, a la que llamaban logia. En ella impartían las enseñanzas de su Arte Real a los aprendices, cuidando de que sus conocimientos se conservaran en el más absoluto secreto. De ahí surgiría, en 1716, la llamada masonería especulativa. Pues bien, el tatarabuelo de Wolfgang, David Mozart, fue albañil y maestro de obras, al igual que su bisabuelo Franz.
Fruto de su temprana familiaridad con los principios del Gran Arquitecto, en 1767, cuando Mozart tenía 11 años, compuso un lied –canción– de inspiración masónica para la hija del doctor Joseph Wolff, que era masón y le salvó de la viruela. En 1772 musicalizó un texto ritual masónico titulado Oh, Santa Unión de Hermanos, y un año después lo hizo con una obra del masón Tobías Philipp von Gebler, con quien coincidiría posteriormente como compañero de logia en La Verdadera Concordia de Viena.

La flauta mágica
Conforme fue avanzando el siglo XVIII la presencia de nobles en la masonería especulativa se hizo cada vez más numerosa: Luis Felipe de Orleans, primo del rey Luis XVI, fue Gran Maestre en Francia; en Inglaterra, ese cargo siempre fue desempeñado por un miembro de la nobleza desde 1721; Federico II de Prusia fue masón… se hablaba incluso de que varios cardenales del Vaticano eran masones. En 1751 el papa Benedicto XIV emitió una bula condenando las actividades masónicas. A pesar de ello y de la feroz oposición que contaban en casi todos los estamentos políticos, económicos y sociales, numerosos católicos se iniciaron en las logias.
Como masón, Mozart no se libró de esas convulsiones políticas. De todas sus obras de inspiración masónica, la más famosa es sin duda La flauta mágica, que además nació con una expresa intencionalidad política. La ceremonia de coronación de Leopoldo II como rey de Bohemia se iba a celebrar en Praga el 6 de septiembre de 1791 y la compañía de ópera había encargado a Mozart una obra para los festejos oficiales. A la masonería le pareció la ocasión perfecta para que el maestro, además compusiera algo especial que sirviera de propaganda para que la hermandad recuperara parte del prestigio perdido. La propuesta fue planteada por el libretista masón Emanuel Schikaneder, con la idea de escribir una ópera basada en el cuento infantil de Cristoff Martin Wieland titulado Lulú o La flauta mágica, que ensalzara los principio masónicos y la actividad idealista y positiva de sus miembros.
La flauta mágica está cargada de simbolismo masónico y el libreto tiene, además, una fácil interpretación en el contexto político de aquel momento. Veamos un resumen de la acción. Sarastro, un gran sacerdote supuestamente malvado, mantiene cautiva en su palacio a la princesa Pamina. Ésta es hija de la aparentemente bondadosa Reina de la Noche, que quiere rescatarla. El príncipe Tamino se enamora de un retrato de la princesa y se compromete a salvarla de su raptor. Para ayudarle en la empresa, las Damas de la Noche le dan una flauta mágica, y a Papageno, un simple cazador de pájaros que le acompaña, un carillón de mágicas campanillas. El final es feliz, como no podía ser menos, pero con un sorprendente quiebro: la inicialmente bondadosa Reina de la Noche resulta ser la mala de la historia, y el presuntamente malvado Sarastro, es el bueno que ha raptado a Pamina para librarla así de la nefasta influencia de su madre. La interpretación en clave política de obra y personajes fue evidente: la malvada Reina de la Noche era María Teresa, la regente que reprimió con energía las actividades masónicas. El reino de la oscuridad no era otro que el de la iglesia Católica. Sarastro, el Gran Sacerdote del culto de Isis y Osiris, representaba a la masonería y a su Gran Maestre, que ayudaban a la humanidad enseñándola el buen camino y los dones de su secreta sabiduría. También encarnaba globalmente a todos los emperadores que habían sido favorables a la actividad de las logias, como Francisco I y José II, cuyo ejemplo querían que siguiera el nuevo emperador Leopoldo. También hay, por supuesto, una lectura claramente masónica ya que su objetivo era reivindicar la imagen de la organización. La acción se desarrolla en el antiguo Egipto, y cabe señalar que la masonería de Viena seguía el rito llamado de Misraim, que hunde sus raíces en antiguos cultos y conocimientos de Egipto. El decorado original estaba cargado de referencias en este sentido. El templo de Sarastro aparecía flanqueado por esfinges y, escrita en una pirámide, figuraba la inscripción: “El que pase por este difícil camino será purificado por la tierra, el aire, el fuego y el agua”, en clara referencia esotérica a los cuatro elementos. También hay numerosas alusiones al número tres: tres son las Damas de la Noche y tres los niños sabios; el príncipe Tamino tiene que superar tres pruebas y son tres los mundos que la obra refleja, el oscuro mundo de maldad de la Reina de la Noche, el de Sarastro iluminado por la luz de la sabiduría, y el mundo de la humanidad ciega e ignorante representado por el simple Papageno. La flauta mágica muestra el camino de iniciación que tiene que recorrer el hombre para salir de su ignorante ceguera y llegar a la luz que le permita contemplar la verdad. Ese es el camino que, en la obra, recorre el príncipe Tamino, superando pruebas y alcanzando un nivel superior de sabiduría que le permite ver lo que antes estaba oculto, es decir, la bondad de Sarastro y la maldad de la Reina de la Noche. Y ese es el camino de iniciación que ofrece la masonería.

Formando el cerebro del bebé:

La música tiene un poderoso efecto en nuestras
emociones. Los padres saben que una canción de cuna
cantada en un tono bajo y suave puede tranquilizar a un
bebé alterado. Un coro majestuoso puede llenarnos de
emoción, pero también la música puede afectar la manera
en que pensamos.
En los últimos años hemos aprendido bastante sobre el
desarrollo del cerebro. Los bebés nacen con miles de
millones de células cerebrales. Durante los primeros años
de vida, estas células forman conexiones con otras células
cerebrales. Con el tiempo las conexiones que utilizamos
regularmente se vuelven más fuertes. Los niños que
crecen escuchando música desarrollan fuertes conexiones
relacionadas con la música.
De hecho, algunas de estas vías musicales afectan a la
manera en que nosotros pensamos. Al escuchar música
clásica podemos mejorar
nuestro razonamiento
espacial por lo menos por
poco tiempo. Así mismo, el
aprender a tocar un
instrumento puede incluso
tener un efecto más
duradero en ciertas
habilidades mentales.
¿Nos hace la música más
inteligentes?
No exactamente. La
música parece que
acondiciona nuestro cerebro
para cierto tipo de
pensamiento. Después de escuchar música clásica los
adultos pueden realizar ciertos ejercicios espaciales con
más rapidez, como juntar las piezas de un rompecabezas.
¿Por qué sucede esto? Las vías de la música clásica en
nuestros cerebros son similares a las vías que utilizamos
para el razonamiento espacial. Cuando escuchamos
música clásica, la vía espacial se “activa” y está lista para
ser utilizada.
Este acondicionamiento facilita la ejecución más rápida
del rompecabezas. Pero este efecto dura solo por poco
tiempo. Nuestra mejorada habilidad espacial desaparece
alrededor de una hora después de haber terminado de
escuchar la música.
No obstante, el aprender a tocar un instrumento puede
tener efectos duraderos en nuestro razonamiento espacial.
En varios estudios los niños que tomaron lecciones de
piano por seis meses mejoraron su habilidad de hacer
rompecabezas y resolver otros ejercicios espaciales hasta
en un 30 por ciento.
¿Por qué música clásica?
La música que la mayoría de las personas llaman
“clásica”—obras de
compositores como Bach,
Beethoven o Mozart—es
diferente a la música como el
rock o country. La música
clásica tiene una estructura
musical más compleja. Bebés
de hasta 3 meses pueden
distinguir esta estructura y
hasta reconocer fragmentos
de música clásica que han
escuchado antes.
Los investigadores
piensan que la complejidad
de la música clásica es lo que
acondiciona al cerebro para resolver problemas espaciales
con más rapidez. Por ello, el escuchar música clásica
puede tener diferentes efectos en el cerebro que el
escuchar otros tipos de música.
Formando el cerebro del bebé:
.
“Los investigadores
piensan que el
aprendizaje musical
crea nuevas vías en
el cerebro.”
Esto no significa que otros tipos de música no sean
buenos. El escuchar cualquier tipo de música ayuda a
formar vías en el cerebro relacionadas con la música. Es
más, la música puede tener efectos positivos en nuestro
estado de ánimo lo cual pude facilitar el aprendizaje.

¿Qué puede hacer?
Los padres y personas encargadas del cuidado infantil
pueden ayudar a fomentar en los niños el amor por la
música desde el comienzo de la infancia. Aquí tiene
algunas ideas:
• Toque música para su bebé. Exponga a su bebé a
selecciones musicales muy diferentes y de estilos variados.
Si usted toca un instrumento, practique cuando su bebé
se encuentra cerca, pero mantenga el volumen a un nivel
moderado. La música alta pude dañar el oído de su bebé.
• Cántele a su bebé. ¡No importa lo bien que usted cante!
El escuchar su voz ayuda al bebé a aprender el lenguaje. A
los bebés les encantan los patrones y ritmos de una
canción. Hasta los bebés pequeños pueden reconocer
melodías específicas una vez que las han escuchado.
• Cante con su niño. A medida que los niños crecen,
disfrutan cantando con usted. El unir palabras a la
música, de hecho, ayuda al cerebro a aprenderlas con más
rapidez y retenerlas por más tiempo. Es por esta razón
que nos acordamos de las letras de las canciones que
cantábamos de niños incluso después de no haberlas oido
en años.
• Comience lecciones de música temprano. Si quiere que
su niño aprenda un instrumento, no necesita esperar
hasta que vaya a la escuela primaria para comenzar las
lecciones. Los cerebros en desarrollo de los niños
pequeños están equipados para aprender música. La
mayoría de los niños de cuatro a cinco años de edad
pueden disfrutar creando música y pueden aprender los
fundamentos básicos de algunos instrumentos. El
comenzar lecciones temprano ayuda a los niños a crear
amor por la música para el resto de sus vidas.
• Anime a la escuela de su hijo a que enseñen música.
El cantar ayuda a estimular al cerebro, por lo menos
brevemente. Con el tiempo, la educación musical que
se recibe en la escuela puede ayudar a la formación de
habilidades tales como la coordinación y la
creatividad. El aprender música ayuda a su hijo a ser
una persona completa.


Parte de la Colaboración con el Programa “Mejores Cerebros para los Bebés”
Part of the “Better Brains for Babies” Collaboration
Referencias Seleccionadas:
Fagen, J., Prigot, J., Carroll, M., Pioli, L., Stein, A.,
& Franco, A. (1997). Auditory context and memory
retrieval in young infants. Child Development, 68,
1057-1066.
Rauscher, F. H., Shaw, G. L., Levine, L. J., Wright, E. L.,
Dennis, W. R., & Newcomb, R. L. (1997). Music
training causes long-term enhancement of preschool
children’s spatial-temporal reasoning. Neurological
Research, 19, 2 - 8.
Viadero, D. (1998). Music on the Mind. Education Week,
April 8, 1998.
Wallace, W. T. (1994). Memory for music: Effect of
melody on recall of text. Journal of Experimental
Psychology: Learning, Memory, & Cognition, 20,
1471-1485.
Escrito por:
Dr. Diane Bales
Extension Children, Youth, and
Families At Risk Coordinator
Department of Child and Family Development
Septiembre, 1998
Número de publicación: FACS 01-7
http://www.fcs.uga.edu/outreach

VIVALDI

RETRATOS DE MUSICOS DEL BAROCO

DOMENICO SCARLATTI

G. F. HÄNDEL

SINOPSIS DEL PERIODO BARROCO

El término "Barroco" lleva aparejado, en sus principios, cierto aire despectivo, y es debido a que en el siglo XVIII los pensadores neoclásicos lo consideraron como desmesurado, confuso, rebuscado y extravagante

hoy admiramos los efectos de luz y sombra, las extraordinarias perspectivas, las curvas de sus perfiles, la vastedad de sus proporciones y el esplendor de sus colores en su pintura; los ornamentos y la grandiosidad de su arquitectura y las grandes sinfonías, las extraordinarias óperas, la majestuosidad de los oratorios y las bellísimas cantatas del período barroco en la música.

RASGOS TÉCNICOS Y FORMAS MUSICALES DEL BARROCO:

se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo

Cromatismo:

Carlo Gesualdo con su escritura y su expresividad cromática introduce en sus cantos corales variaciones cromáticas para lograr efectos admirables y completamente novedosos

Expresividad:

En la época precedente, la polifonía había causado que el canto coral se hiciera cada vez más incomprensible. A principios del Barroco se promulgó que la palabra debía ser entendida completamente

Es con los aportes de Andrea Gabrieli (1510-1586), Luca Marencio (1553-1599) y Claudio Monteverdi (1567-1643) que se rescata la claridad del texto y el arte del acompañamiento se enriquece.

Bajo cifrado y bajo continuo

se escribe la melodía y se le agrega el bajo cifrado (a esto se le llamó bajo continuo), dejando a las voces intermedias la libertad para moverse dentro de la armonía así señalada

Barra de compás

la medida del tiempo de manera uniforme en las piezas musicales es un aporte importantísimo del periodo barroco

Policoralidad

Andrea Gabrieli, organista de la catedral de San Marcos en Venecia, compuso música para dos coros y posteriormente para varios coros simultáneos. La orquesta también la dividió y la amplió, logrando una sonoridad inigualable

Intensidad:

Andrea Gabrieli uno de los primeros en dar indicaciones de matices en las partituras, determinando así la intensidad del sonido y dando origen a los términos piano y forte
Con Johann Stamitz se consolida en toda Europa el principio de crescendo-diminuendo

Florecimiento del madrigal

El madrigal es una composición de tres a seis voces sobre un texto secular, a menudo en italiano. Tuvo su maximo auge en el renacimiento y primer barroco
en este período se va a sofisticar aún más, sobre todo en su aspecto musical.
Con Andrea Gabrieli, Carlo Gesualdo Príncipe de Venosa (1560-1613) y Claudio Monteverdi

Separación en géneros

surgen los géneros musicales que en principio se pueden catalogar en tres: la música de iglesia, la música dramática o de teatro y la música instrumental.

Género de iglesia

Claudio Monteverdi (1567-1643), quien gozaba de mucho prestigio como punta de lanza revolucionaria, recibió el encargo de reinstalar el viejo estilo polifónico en los servicios de la catedral de San Marcos en Venecia

Género instrumental

la pavana, que se bailaba ceremoniosamente y con dignidad; y la gallarda, en tiempo más rápido, que se bailaba con saltos. Se hizo costumbre seguir una pavana con una gallarda
después se le incorporó la allemande y la courante

Esto dio origen, por una parte, a las suites de danzas del período barroco, y por la otra, a la alternancia de lento y rápido a los movimientos del concerto

la popularidad que alcanzó el teatro en este período, se hizo costumbre que en el entreacto se incorporara un trozo de música instrumental que se denominó "intermedi" o "entre act". Con el tiempo, este trozo pasaría a tener cada vez mayor importancia

Así tenemos por una parte la suite con origen en la danza y la opertura con origen en el teatro, de ellas dos van a surgir en el Barroco las formas musicales del concierto, la sonata, la sinfonía, la fuga y la toccata.




Género dramático

este género tiene su origen en la danza y en el teatro.
en el mismo año de la muerte de Palestrina, 1594, se reúne un grupo de artistas e intelectuales en la casa de un noble florentino, para cantar el drama de los griegos poniéndole notas musicales a la poesía, de forma que el significado de las palabras fuese interpretado en forma exacta mediante la ayuda del ritmo y del metro
Claudio Monteverdi (1567-1643) es quien va a darle forma a este género con la aparición de la ópera, la cual se va ha difundir rápidamente por todo el mundo.

La ópera

Si realmente la Camerata Fiorentina tuvo la intención de hacer renacer la tragedia griega, el resultado fue algo totalmente nuevo: la ópera,

En el Barroco temprano nos encontramos en el período en que se abandona el estilo contrapuntístico para reemplazarlo por la monodia acompañada con armonías o acordes.

Bajo este principio se estrena en Florencia en el año de 1594, la obra de Jacopo Peri "Dafne", con libreto de Rinuccini, miembros ya nombrados de la Camerata Fiorentina

1607, cuando aparece el primer gran maestro en este género: Claudio Monteverdi, quien con sus obras "Orfeo" y la "Coronación de Popea" difunde el género por muchas otras ciudades. Monteverdi creó óperas de gran fuerza dramática, bella música y un alto contenido ético.

en el Barroco medio, se inaugura en Venecia el primer teatro destinado a la presentación de música dramática, el "Teatro San Cassiano", y a partir de ese momento comienzan a proliferar este tipo de salón

su difusión desmesurada va a ir en detrimento de su calidad artística hasta que aparece algún genio que la eleva, como pasa con el Barroco medio cuando aparecen Giovanni Battista Pergolesi (1710-1732), que con su "Serva Patrona" crea el nuevo género de la ópera bufa, y Alessandro Scarlati (1660-1725), su genial continuador

El Oratorio

En contraposición a los temas más mundanos de la ópera, surge este nuevo género que dio por ser llamado Oratorio.
con la proliferación de los teatros de ópera, el oratorio se hace más íntimo y prescinde de los grandes decorados y vestuarios, sustituye la sensualidad de aquella por un recogimiento interior y la acción dramática por el relato de un narrador.

en el desarrollo Giacomo Carissimi (1605-1674) . alcanza su perfección con Georg Friedrich Haendel (1685-1759).

La cantata:

La cantata fue en sus comienzos un género afín y se desarrolló de igual forma que el oratorio pero sin que tuviera que apelar necesariamente al texto religioso, sino que, por el contrario, frecuentemente aludía a temas seculares
Carissimi son las más notables del Barroco temprano y es quien la lleva a la iglesia, logrando notables cantatas a dos voces e instrumentos con las que obtiene la cantata da chiesa, algo muy parecido al oratorio y que, en el Barroco tardío, va a llegar a su máxima expresión con Johann Sebastian Bach.

La sonata, la toccata y la suite

una danza lenta seguida de otra más rápida dará el primer par en que se fundará la suite
sucesión se hará regular, hasta alcanzar el apogeo de la forma que consiste en: Una allemande (con su doble), una courante (con su doble), una zarabanda (con su doble) y, para terminar, una giga. El "doble" es la variación ornamental de la danza y antes de la giga se pueden anteponer otras danzas como la gavota, passepied, branle, minué, bourré, rigodón, chacona, passacaglia, y otras.

La sonata es una forma parecida a la suite, pero se distingue de ésta en su rigurosidad formal que rige también a la sinfonía, el concierto y la mayoría de la música de cámara

Con Giovanni Gabrieli (1557-1612. Barroco temprano) se define la sonata en dos especies: la sonata da chiesa, donde se alternan elementos solemnes, lentos, con otros movidos, ligeros, tratando de mantener una unidad; y la sonata da camera, bastante semejante a la suite

La forma de toccata se inició como una libre interpretación en un instrumento de teclado, pero después se generalizó a todo instrumento solista. se inicia con amplios acordes a los que siguen pasajes brillantes y de gran virtuosismo, para terminar con una virtuosa coda, es también con Bach que esta forma alcanza su más alta expresión.

El estilo concertato

La fuga

Es la forma más evolucionada del estilo polifónico. en la fuga las voces tienen la misma melodía, pero entran de manera escalonada, manteniendo las distancias invariables

La sinfonía

El término sinfonía tiene en un principio el mismo significado que sonata:. El primer movimiento de suites alemanas también recibe el nombre de sinfonía, lo mismo que la opertura de las obras dramáticas musicales y los intermezzi.

IMAGENES DEL BARROCO

para verlas de mayor tamaño haga click sobre la imagen y ésta se abrirá en otra página.

PROGRAMA DEL CURSO

El Curso de Historia de la Música Dos está dividido en tres períodos que comprenden los momentos más interesantes de la creación musical.

Ellos son:


1. El Barroco,

2. El Clasicismo y

3. El Romanticismo

Según los principales autores, estos momentos constituyen los períodos de creación del 90% de la música que forma el repertorio de las grandes orquestas sinfónicas y también la música académica que es escuchada con más fecuencia.

La historia es un viaje fascinante a través del tiempo. Ustedes comenzaron ese viaje el año escolar pasado. Ahora vamos a entrar en un período más interesante y gratificante. Vamos a estar escuchando música y conociendo a los autores que las crearon, pero esta vez será música más cercana a nuestro tiempo y más grata a nuestros oídos que están acostumbrados a escucharla. Visitaremos en nuestro viaje a Bach, Mozart, Beethoven, Chopin y muchos otros. Preparémonos entonces a este viaje maravilloso.

LINKS UTILES

Correo de C. Winkelmann
carloswf@cantv.net


http://histomusicauno.blogspot.com

http://actuacionpedagogica.blogspot.com

http://grandesbandas.blogspot.com